Aunque su estreno en España fue el pasado octubre, en EEUU acaban de estrenarla este viernes, así que nos ha parecido buen momento para hablar de una película de terror muy poco terrorífica pero que puede resultar una grata sorpresa.

La idea es tan simple que roza lo brillante: un hombre atrapado en un pasillo subterráneo debe encontrar la salida número 8. Para lograrlo, hay una única regla: si detecta una anomalía, debe darse la vuelta; si no, avanzar. Y ya está. No hay monstruos evidentes, no hay jumpscares, solo la sospecha de que algo no encaja.

Es, en esencia, un videojuego convertido en película, no por casualidad, sino porque adapta el inquietante fenómeno indie The Exit 8, un popular videojuego japonés de culto de Kotake Create que se volvió viral en plataformas como YouTube o Twitch, precisamente por su concepto simple y perturbador. Poca trama, mucho carisma.

“Starry eyes”, “Cisne negro”, “La perfección” o “Bliss”; han sido varios los títulos que en los últimos años han convertido el arduo camino al éxito en pesadilla. La creación es un proceso de desgaste. Si se quiere llegar al público parece que la obra, como una biopsia, ha de rascar tejido del alma del autor. Dice el refrán que “La letra con sangre entra”; las notas de la canción de la protagonista de esta atípica cinta, llegan con el olor al vómito de su sacrificio en el ascenso de la escalera de la fama. “Birdsong” podría haber sido una película erótica, un musical, una cinta de horror o simplemente un drama, pero el audaz director Hendrik Willemyns ha procurado que ninguna y todas las etiquetas se ajusten a esta experiencia.

Asuka trabaja como limpiadora en una discográfica que busca a sus estrellas en un popular talent show. Su sueño es lograr hacerse un nombre en el mundo de la canción, así que ha decidido presentarse a la nueva edición del programa. Durante el casting inicial, el jurado escucha perplejo el tema que ha compuesto. Se trata de un tema, sin difusión para el público, que se encontró en el lugar del crimen del mayor productor musical de la discográfica. Asuka entonces tendrá que contar la historia oculta tras su canción.

Animado por el inminente estreno de Godzilla: rey de los monstruos, la secuela de la adaptación americana que hizo Gareth Edwards en 2014, por fin he decidido escribir sobre una de las películas más importantes en mi pequeño mundo de aficionado.

Antes de entrar en materia, me gustaría aclarar que la versión sobre la cual se hará referencia será siempre el corte original japonés de Ishirô Honda, previo a los recortes e insertos comerciales por parte de la distribución americana, con los cuales la propia Toho estuvo conforme. Creo importante constatar esto, puesto que la simple existencia de una versión suavizada de una película tan socialmente comprometida habla directamente de lo afilado de su discurso y de lo potente que fue y sigue siendo hoy en día.

Tendemos a considerar el cine de monstruos gigantes, el kaiju eiga, como un subgénero más próximo a la serie B, el explotation o directamente al trash. Y esto es totalmente lícito, puesto que la gran mayoría de producciones de este cariz forman parte directamente de cualquiera de estas subcategorías. De hecho, la evolución de la serie originada a partir de esta ‘Japón bajo el terror del monstruo’ acabaría derivando, y más de una sola vez, en títulos que harían las delicias del público de cualquier doble sesión de medianoche. Y es por eso, justamente, que esta primera (y única en su propio universo) entrega del rey de los monstruos suponía un golpe sobre la mesa. Puesto que no solo la potencia de su núcleo en forma de metáfora era devastadora, sino que suponía una total declaración de intenciones a favor de la narrativa fantástica más extrema como comunicadora de primer nivel. Honda, apoyado por la Toho, que se veía deslumbrada por el reciente éxito de otras producciones monstruosas como ‘King Kong’ o ‘El monstruo de tiempos remotos’, creían en un proyecto que, pese a su carácter más freak, tenía capacidad más que suficiente para hablar sin tapujos de una de los problemáticas más serias y preocupantes del momento.

Estrenada únicamente en un cine de Tokio, este trabajo de escuela se ha convertido, en su país de origen, en todo un fenómeno de masas. El boca-oído llenaba todas las sesiones y pronto la película comenzó a expandirse por otras salas. Aquellos que ya la habían visto guardaban el secreto de “su truco” y regresaban al cine con sus amigos, sin explicarles qué era lo que iban a ver, para disfrutar de sus reacciones. Durante meses se situó en lo alto de las recaudaciones en taquilla de Japón y otros países asiáticos donde ya es casi un film de culto. Tanto crítica como público se han cuidado de revelar su sorpresa. En su paso por los festivales de todo el mundo ha sucedido lo mismo: aquellos que han aguantado su peaje inicial (pues la cinta esconde sus delicias hasta transcurridos casi 40 minutos) la platea se ha venido abajo en ovaciones y carcajadas. Y es que “One cut of the dead” es una comedia sensacional y toda una experiencia de las que no se olvidan si se ve en un cine o con una buena cantidad de amigos. No quiero decir que no se disfrute en casa, pero es como ver “Rocky horror picture show” en tu sofá o verla rodeado de gente… Así que aprovechando su próximo pase en Madrid, en la muestra Syfy, me animo a escribir esta reseña con cuidado de no decir nada de más.