El rodaje de La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) fue uno de los más extremos de la historia del cine. Dirigida por Tobe Hooper y coescrita junto a Kim Henkel, la película no solo redefinió el género slasher, sino que se convirtió en un mito por el nivel de sufrimiento físico y psicológico que sufrieron los que estaban involucrados. Sobre todo, los actores.

El presupuesto inicial de la película fue de aproximadamente 60.000 dólares, aunque acabó elevándose a unos 140.000 dólares tras la posproducción. Para optimizar los costes, los productores formaron una sociedad limitada llamada Vortex, Inc. Gran parte del reparto estaba formado por actores desconocidos de la escena teatral de Austin o estudiantes universitarios, contratados bajo condiciones laborales cuestionables. De hecho, aceptaron porcentajes de los beneficios de la película que, debido a disputas posteriores con la distribuidora Bryanston Distributing Company, tardaron años en cobrar y, en algunos casos, nunca llegaron a ver.

¡Hemos dedicado un programa a la trilogía POLTERGEIST en nuestro nuevo proyecto de pódcast SESIÓN DE MEDIANOCHE! Con Carlos Cubo y Vicente Albaladejo.

Corría el año 1982 y el cine de género estaba a punto de cambiar para siempre. Mientras John Carpenter nos helaba la sangre con la paranoia de The Thing y Ridley Scott dibujaba un futuro de neón y lluvia en Blade Runner, un niño prodigio de Cincinnati llamado Steven Spielberg decidía que era el momento de convertir el salón de cualquier casa de clase media en la antesala del mismísimo infierno.

Poltergeist (Fenómenos Extraños) no fue solo una película de fantasmas; fue el fin de la inocencia para una generación que, hasta entonces, miraba la televisión buscando entretenimiento y acabó encontrando en la estática de la pantalla un vacío voraz dispuesto a engullir a lo más sagrado: la familia.

Parece mentira que, con casi cincuenta años a sus espaldas, “Don´t look now” no haya perdido un ápice de su seductor encanto ni de su extrañeza. Un film arriesgado, plagado de secuencias paralelas, donde prima la atmósfera sobre los diálogos y las explicaciones. De hecho, si analizamos su historia sin los elementos formales que la adornan, nos encontramos con una tontuna sin pies ni cabeza. Y es que, el director en “La amenaza en la sombra” es tan importante como los personajes o la decadente y lúgubre Venecia que los acoge. Su impronta autoral hace de “Don´t look now” un film imprescindible para cualquier fan del género, aunque el resultado pueda no gustar a muchos.

Una pareja pierde a su hija en un desafortunado accidente, que tal vez hubiera podido evitarse de haber prestado atención a las extrañas casualidades que sucedían al tiempo que la pequeña moría ahogada. Para comenzar a serenar la tristeza que les asalta, deciden viajar a Venecia, donde el marido está restaurando una capilla. Pero desde su llegada estas casualidades, estas minúsculas señales que parecen manifestarse a su alrededor, les zarandean. La visión de una pequeña con el abrigo rojo que llevaba su hija en el momento de morir y una vidente ciega y su hermana, sumergen a la pareja en una incierta aventura.

Animado por el inminente estreno de Godzilla: rey de los monstruos, la secuela de la adaptación americana que hizo Gareth Edwards en 2014, por fin he decidido escribir sobre una de las películas más importantes en mi pequeño mundo de aficionado.

Antes de entrar en materia, me gustaría aclarar que la versión sobre la cual se hará referencia será siempre el corte original japonés de Ishirô Honda, previo a los recortes e insertos comerciales por parte de la distribución americana, con los cuales la propia Toho estuvo conforme. Creo importante constatar esto, puesto que la simple existencia de una versión suavizada de una película tan socialmente comprometida habla directamente de lo afilado de su discurso y de lo potente que fue y sigue siendo hoy en día.

Tendemos a considerar el cine de monstruos gigantes, el kaiju eiga, como un subgénero más próximo a la serie B, el explotation o directamente al trash. Y esto es totalmente lícito, puesto que la gran mayoría de producciones de este cariz forman parte directamente de cualquiera de estas subcategorías. De hecho, la evolución de la serie originada a partir de esta ‘Japón bajo el terror del monstruo’ acabaría derivando, y más de una sola vez, en títulos que harían las delicias del público de cualquier doble sesión de medianoche. Y es por eso, justamente, que esta primera (y única en su propio universo) entrega del rey de los monstruos suponía un golpe sobre la mesa. Puesto que no solo la potencia de su núcleo en forma de metáfora era devastadora, sino que suponía una total declaración de intenciones a favor de la narrativa fantástica más extrema como comunicadora de primer nivel. Honda, apoyado por la Toho, que se veía deslumbrada por el reciente éxito de otras producciones monstruosas como ‘King Kong’ o ‘El monstruo de tiempos remotos’, creían en un proyecto que, pese a su carácter más freak, tenía capacidad más que suficiente para hablar sin tapujos de una de los problemáticas más serias y preocupantes del momento.