Muchas de las producciones de género de otras latitudes (cercano oriente, sobre todo) están inexorablemente influenciadas por el cine norteamericano. Así vemos, por ejemplo, que en varias producciones turcas, los locales Djinns muchas veces se verán similares a los fantasmas o demonios occidentales, tanto en apariencia como en comportamiento. Las estéticas y los recursos para provocar miedo serán así mismo muy parecidos. Las producciones rusas también adolecen de esta influencia, con muchas de sus tramas calcadas de la enésima producción americana. Esto no sucede, afortunadamente, con Tumbbad (2017), reciente film de género hindú. Y no sucede porque está fuertemente influenciado por sus mitos (que, aunque estén creados para la ocasión, no tienen impronta occidental), en su historia, y en su gente.

En un templo dedicado a un dios olvidado, Hastar, y donde se rumorea que hay un fuerte tesoro en oro, su último sacerdote agoniza. Mientras, encerrada en una mazmorra, una anciana condenada debe ser alimentada para saciar un hambre maldito y eterno. Una mujer, la hija de la anciana, se encarga de cuidarlos a ambos. Esta cuidadora y su hijo, un niño fuertemente codicioso, abandonan el templo después de la muerte del sacerdote, dejando a la anciana encerrada. Años después, el niño, Vinayak Rao, ya adulto y que será el verdadero protagonista, volverá para interrogar a la anciana, o lo que queda de ella, sobre la manera de obtener el oro del templo ya abandonado. Con el secreto conocido, con el que consigue una módica cantidad de monedas de oro cada tanto, logra una lenta pero segura ascensión a la riqueza, lo que unida a su ya mencionada codicia, le traerá grandes y nefastas consecuencias. Develar más, por ejemplo, donde está el oro y como es obtenido, es arruinar la premisa para el espectador, solo decir que no tiene parecido con nada del cine occidental y que la representación del mal y lo mitológico está poderosamente enraizado en su milenaria cultura.

Después de que la infección que se extendió hace 4 años, solo algunas partes de Corea del Sur permanecen resguardadas, aunque la Península de Busan es la única parte en donde pueden buscar refugio los coreanos, muchos aún mantienen la esperanza de ser rescatados por ayuda internacional.

Aunque el fenómeno de Parásitos (2019) congregó todas las miradas, de extraños a la materia, para con el cine surcoreano, el otro gran éxito mundial de su cine es Train to Busan (2016). Esta película de zombies/infectados ingresó 90 millones de dólares a nivel mundial, siendo otro de esos casos excepcionales en los que una producción surcoreana consigue amplia distribución y éxito en taquilla más allá de sus fronteras. Su paso por festivales especializados ya lo avisaba meses antes. Y es que Train to Busan fue la respuesta oriental a Guerra Munidal Z (2013), cogiendo sus bases de cine de zombies a gran escala, espectacular y accesible a un gran público, pero, a diferencia de aquella, sin descafeinar y con un apartado emocional y de personajes mucho más pulido.

Tras la desagradable “Granja maldita” (1987) y la aburridísima y casi doméstica “Colour from the Dark” (2008), el pasado 2019 el pintoresco director Richard Stanley presentó una nueva versión del precioso relato corto de H. P. Lovecraft “El color que cayó del cielo”. Podemos decir que es, de las tres, la versión más fidedigna y también la que mejor transmite el carácter malsano que destilaban las páginas del autor de Providence. Aunque que sea la mejor de las tres, tampoco es decir gran cosa… En cualquier caso, el desbarre estético de Stanley, y el aroma general a producto de horror de los 80, le ha granjeado, nunca mejor dicho, a esta versión toda una legión de admiradores empeñados en bautizar a la cinta con la etiqueta de clásico instantáneo.

Tras la caída de un meteorito, los propietarios de una granja comienzan a notar que las cosas en sus cultivos y sus animales no van bien. La fruta se estropea, las criaturas enferman y por la noche el campo parece refulgir con irisadas auroras boreales. Pronto estos extraños efectos empezarán a causar estragos también en los propietarios del cultivo.

Atmosférica, oscura, siniestra e hipnótica, el film “Bina” (bautizada internacionalmente como “The antenna”) hubiera merecido mucha más atención y aplausos de los que recibió cuando la vimos en el festival de Sitges. La cinta muestra una estilosa pesadilla de autor plagada de fluidos oscuros, aromas retro y homenajes a autores del fantástico tan singulares como Lynch, Clive Baker o David Cronemberg.

Un cambio en la organización de los canales de comunicación obliga a los ciudadanos a sustituir sus antenas si quieren seguir viendo contenidos y programas. En un edificio suburbial, la llegada de la nueva antena desencadena una serie de misteriosos sucesos que son seguidos de cerca por el portero de la finca, empeñado en descubrir qué es lo que está amenazando a su vecindario antes de que la influencia termine con todos los inquilinos.

EL virus laberinto ha azotado a la humanidad convirtiendo a muchos de sus miembros en bestias sin control sedientas de sangre, ¿o sabían perfectamente lo que hacían cuando devoraban a sus familiares y amigos? Por suerte, una cura es descubierta, un medicamento que regresa al 75% de los afectados a un estado de normalidad. ¿Pero cómo se pueden integrar estas “personas” a sabiendas de todos los horrores que han cometido?

En Dublín, el joven Senan es puesto en libertad tras ser curado. Bajo el fuerte control estatal y el desprecio social intenta iniciar una nueva vida, por suerte ha sido aceptado en casa de su cuñada, claro que ella no sabe quién fue el que realmente acabó con su marido. La nueva historia de Caín y Abel tomará un giro aun más siniestro cuando un viejo amigo de Senan quiera instaurar un nuevo orden donde los no infectados nunca sean reducidos a una minoría silenciosa encabezada por Fernando Arrabal.

El director de “Crank”, “Crank 2”, “Gamer” y “El Motorista Fantasma” –Brian Taylor– vuelve a ponerse detrás de la cámara para ofrecer otra ración de exceso y humor negro, esta vez a costa de la frustración de la vida adulta como leitmotiv, sacando al adolescente interior que todo cuarentón oye gritar en los momentos más bajos de su existencia. La toma para la ocasión con la paternidad, enfrentándonos a una panoplia de personajes que constan de adolescentes desengañados dentro del cuerpo de padres aburguesados y adolescentes que son, simplemente, insoportables. Una lucha generacional que daba para un discurso más ácido y canalla del que finalmente observamos en pantalla, debido principalmente a un guión, escrito por el mismo Taylor, que parece más bien improvisado sobre la marcha. Y es que la carrera de este cineasta norteamericano nunca se ha caracterizado por la sutiliza, aquí mucho menos cuando cualquier línea argumental se sublima en pro de escenas de risa fácil y chascarrillos afiliados a la sal gruesa.