En la home publicamos la entrevista íntegra a Paco Plaza, director de [REC] ³. Pero no os perdais el resto de entrevistas al equipo de la película – incluido Jaume Balagueró – accediento al interior del post o a través de este enlace. Finalmente quiero expresar mi agradecimiento a Rubén Navarro, autor de las fotografías que acompañan a este artículo. Podéis seguir su trabajo en Flickr

La productora reunió a la prensa el pasado 28 de marzo en los célebres cines Verdi Park de Barcelona para asistir a la proyección de [REC]3 y a la posterior sesión de entrevistas. El director Paco Plaza, los protagonistas: Leticia Dolera, Diego Martín y Àlex Monner, y el productor Julio Fernández, posaron para los medios bajo un sol abrasador en un photocall improvisado en la calle.

Accedimos a conversar con Paco, Leticia, Diego y Àlex sobre el rodaje y las claves de la película. También hablamos con Jaume Balagueró, a quien robamos unos minutos antes de la premiere. A continuación una transcripción de estos encuentros con el equipo.

Paco Plaza

¿La auto-parodia era algo que tenías en mente desde el principio?
La verdad es que no. Ni la parte romántica tampoco. No era algo que guiase la escritura del guión, era más bien al revés, la propia película nos lo iba pidiendo. Solo se nos ocurrían cosas graciosas con Luiso Berdejo. Un día llegaba y me decía: Un tío disfrazado de Bob Esponja…Y yo le decía: “¡Pero no nos van a dar los derechos!” Y él: “Pues en lugar de Bob, le llamamos John”. Todo esto mientras nos partíamos de risa. Muchas veces, las películas no solo cogen el espíritu del rodaje, sino de todo lo que ocurre antes en la escritura. Esta película la escribimos viendo el Mundial en Los Ángeles, donde vive Luiso. Imagina la situación, mejores amigos desde hace 15 años, que se ponen a ver el Mundial y entre medio escriben el guión. Ese tono festivo se acaba transmitiendo, la alegría y la pretensión de querer hacer una película que sea un festival, con la que la gente se lo pase bien y se ría.

¿La idea de romper con la cámara en mano responde solo a la voluntad de refrescar la saga o también a la de alejarse del boom de found footage usado en el género últimamente?
Yo creo que ninguna forma de contar se agota. Si encuentras la historia que tiene que ser contada de esa manera, la forma no se va a agotar. Lo que no puedes hacer es estirar una fórmula porque sí. Si algo conectó de [REC] con la gente era que, de alguna forma, estaba contando de una forma diferente a lo que te esperabas y de cómo tiene que ser contada una historia de terror. Lo más honesto era hacer un [REC] como se supone que no se hace un [REC], volver a rodar como rodaba Sam Raimi o Peter Jackson hace quince años, al terror de los 80 y 90, que es lo que nos ha educado sentimentalmente. Volver a hacer cine a la manera que se hacía antes. La idea de ser muy conservadores para, en realidad, ser más transgresores.

Sin perder la esencia.
Claro, tiene que ser [REC], tener sus señas de identidad. Tiene que ser lo mismo pero no tener nada que ver. “Es lo mismo, pero no es igual”, como decían Martes y Trece (risas).

Es un tipo de película muy de Sitges, que invita a gritar y aplaudir durante la proyección.
Es que yo soy público Sitges y al final acabas haciendo las películas que a ti te gustaría ver. De hecho, si no se hubiera retrasado todo, lo previsto era estrenar en Sitges.

En esta tercera entrega, más que en las anteriores, le das mucha importancia a lo que viven y sienten los personajes.
El funcionamiento de una película de género se basa, sobretodo, en que te importe lo que les ocurra a los personajes. Hay películas que los descuidan y esas son las que no funcionan. Si nos gusta el cine de terror, no nos gusta por ver un tío con careta, sino porque te importa lo que les pase a esas personas. En ese sentido, creo que es un cine en el que hay que cuidar especialmente a los actores. En este caso, fue muy fácil porque son muy buenos actores y ya desprenden de por sí una humanidad que conecta contigo, te caen bien y no quieres que les pase nada malo.

Hablando de personajes, Atún es uno inolvidable, icónico.
Atún es absolutamente genial. Es una especie de alter ego que cuelo en la película y va diciendo las cosas que a mí me gustaría decir. Tiene esa especie de irreverencia hacia la película, hace muchos chistes sobre ella misma. Es muy referencial y hace mucho guiño. Es una pequeña sonrisa hacia la crítica seria que nos trató muy bien con la primera película. Me gusta mucho cómo funciona Atún a ese nivel, como si yo me metiera en la película para dinamitarla.

Con todo ese aprecio que le tienes, entiendo que no le ‘infectaras’.
Es que me sabía muy mal. Él no iba a permitir convertirse en uno de esos bichos, quería morir con dignidad. Me da mucha pena que muera por gordo, es muy triste. Me cayó una bronca de mi madre por eso. Atún mola mucho, se le coge mucho cariño, desde el minuto uno, cuando lo ves todo flipado con la steadycam. Mola mucho la relación con Adrián también. Además, esa relación fue real fuera del rodaje. Álex iba y le preguntaba: “Oye, pero ¿qué es cinema verité?”, y Borja se lo explicaba a modo de mentor.

¿Tuvisteis algún problema con la SGAE en relación al personaje de Canon?
No, pero te voy a contar una cosa sobre eso. Pedí que me dejaran usar el logo de la SGAE para ponerlo en la libreta que lleva Canon y no me dieron permiso. Y yo soy socio de SGAE (risas).

Igual que en [REC], en esta nueva entrega hay una paleta de personajes muy costumbrista.
Sí, pero no como voluntad de retratar nada, sino porque el paisaje que se plantea en la película lo permite. Hay una serie de arquetipos muy reconocibles que es muy agradable ver en una película.

El final tiene mucho de “Los renegados del diablo”.
En realidad lo mío era más de “Duelo al sol”.

¿Porqué en [REC] y [REC]² los infectados corren y aquí se arrastran como los de Romero?
¿Todas las personas son iguales? ¿No, verdad? Los zombis son personas, transformadas. ¿Entonces porqué no pueden ser distintos? ¿Porqué no pueden unos correr y otros andar? Y el que anda, quizás va lento porque se ha fracturado una rótula… La velocidad del zombi es variable en función de la necesidad dramática de la escena, es la primera ley de Newton.

¿Más allá de Jaume, qué has echado en falta a la hora de afrontar [REC]³ en solitario?
La verdad es que he echado de menos a Jaume en la promoción, porque en las dos películas anteriores fueron muchas risas. Haciendo la película, en realidad, nada. Quizás algo de la primera sobretodo, que era muy rock n’ roll, probablemente porque la hacíamos pensando que ni se iba a estrenar, que la colgaríamos en internet o la regalaríamos con el periódico. [REC] la rodábamos por la tarde-noche, y Jaume y yo quedábamos después de comer en un Starbucks y nos tomábamos un café mientras pensábamos que haríamos esa misma noche. Era muy punki. De hecho, el final de [REC] lo escribimos el día antes de rodarlo. Eso ya fue un caso extremo. Lo mismo pasó con la niña Medeiros, al principio iba a ser un hombre con bigote, el cura del que se habla, y al final, entre los cafés y las risas, decidimos ponerle tetas. Botet se quedó loco, pobre. En el final, Manuela no tenía ni idea de lo que iba a pasar. Nosotros más o menos sí, y nos metimos en el ático a oscuras con una handycam y empezamos a tirarles cosas, a gritarle a Botet. Esa energía sí que fue algo irrepetible. Y salió bien como podría haber salido mal. No es la manera de hacer las películas en realidad, y caes en un error si piensas que es así. En ese sentido, sí que he echado de menos ese tipo de experimentación, esa espontaneidad de construir la película con el espíritu de cuando hacíamos cortos. En [REC]³ estaba todo muy calculado, costaba un parto cada plano.

¿El cambio de formato, además de tener que ver con esa intención de renovar, también responde a tus ganas de rodar de nuevo de manera convencional?
Sí, claro. Me apetecía mucho volver a rodar cine en el que tener en cuenta la composición del cuadro y ese tipo de cosas. No se trata de cansancio de un formato, pero sí que es cierto que yo ya llevaba dos películas seguidas así y necesitaba contar de nuevo con la cámara, los movimientos y las ópticas.

¿Hasta qué punto te ha preocupado el exceso de información en la red previa al estreno?
Muchísimo. Las teorías me parecen bien, quiere decir que hay un interés. Lo que sí que me ha afectado son los spoilers y cosas que no son spoilers. Hoy en día es muy difícil llegar al cine sin anteponer la idea de lo que has visto en trailers, clips y otro tipo de material.

¿Qué poder tenías sobre esa material?
Aquí todo el material lo he hecho yo, lo único que yo no he controlado es el goteo, cómo se gestiona ese material. Lo que mola es jugar a la seducción y respetar al espectador que va al cine. Promocionando la película me preguntaban referentes y yo me acordaba de El fantasma del paraíso y Golpe en la pequeña China. Cuando fui a ver ésta última al cine, yo iba a ver una película de terror de John Carpenter, y te encontrabas con eso y te volvías loco. Pero eso, a día de hoy, es inviable.

Acaba de salir un comic de [REC], ¿qué podemos encontrar en él?
Cinco historias donde se explican muchas incógnitas que quedaron abiertas en las dos primeras películas. Los guiones son de Hermán Migoya, nos juntamos con él Jaume y yo y decidimos las sinopsis de las cinco historias, pero el guión lo hizo él. También elegimos los dibujantes, él nos hizo propuestas y nosotros escogimos. Estaba claro que Salvador Sanz y Álvaro Ruilova iban a estar, soy muy fan, sobretodo del último. Y la portada la hizo Alejandro Colucci, que es una pasada. Se explican muchas cosas – como el origen de la niña Medeiros – y lo que no se explica, se acabará de explicar en [REC]⁴, que cerrará el círculo.

No olvides leer las entrevistas a Leticia Dolera, Diego Martín, Àlex Monner y Jaume Balagueró siguiente este enlace.

Reseña 100% libre de spoilers.

El juego de desconcierto que propone Paco Plaza en los inusuales créditos de inicio de [REC] ³ ya marca el tono lúdico con el que redefine una de las sagas más rentables del cine español de los últimos años. Con la sana intención de evitar que las paredes del número 34 de Rambla Catalunya se estrechen y asfixien la historia, el director valenciano rompe una de las principales reglas de [REC] ³ - espacio claustrofóbico – y desplaza la acción a un idílico paraje al descubierto para darle una nueva dimensión al terror.

Iniciamos un especial sobre el estreno en España de [REC]³ que incluirá, de la mano de nuestra querida Samdra, entrevistas, reportaje sobre la noche de la premiere y, por supuesto, la esperadísima reseña de la película. Agradecer especialmente la colaboración de Rubén Navarro, autor de las fotografías que acompañan a este artículo. Podéis seguir su trabajo en Flickr.

El pasado 28 de marzo tuvo lugar en los cines Filmax Granvía de Barcelona la premiere de [REC]³, tercera parte de la saga de terror patrio concebida por Jaume Balagueró y Paco Plaza en 2007. Una nueva entrega dirigida esta vez en solitario por Plaza, que tensa al máximo las expectativas y se reinventa en formato y argumento con el fin de sorprender al seguidor de la franquicia. Algo que, permitidme la denuncia, sería mucho más apreciable si algunos medios de comunicación u otras vías tuvieran un poco más de delicadeza al filtrar el material promocional.

Al evento asistieron el equipo artístico encabezado por el director y sus tres protagonistas: Leticia Dolera, Diego Martín y Àlex Monner. Una amplia representación del elenco de secundarios y figurantes: me acuerdo de Itziar Castro, José Mellinas, Paco Moreno o el Sancho Panza mexicano, Ramon Aguirre, que repartía tarjetas de su banda de mariachis a los asistentes. Todos se fundían en abrazos y felicitaciones tras la proyección, confirmando las palabras que Leticia Dolera repitió hasta la saciedad en los diarios de rodaje: “Nos hemos convertido de verdad en una gran familia”.

No faltaron rostros imprescindibles como el de Jaume Balagueró, que ejerce aquí de productor creativo y consejero; ni el de Javier Botet, el encargado de dar vida a la icónica Niña Medeiros. Se dejó caer también el guionista de Mientras duermes, Alberto Marini, y la veterana actriz catalana Carme Contreras, protagonista de una de las muchas frases lapidarias del film, y quien nos confesó haber estado muy concentrada durante todo el rodaje pese a que su escena se redujera a escasos cinco minutos. Con quien también intercambiamos impresiones fue con el abuelo sordo que toma el relevo a la entrañable pareja de ancianos del edificio del Eixample en [REC]. El primero nos expresó su descontento por unos tijeretazos en el metraje que sacrificaron escenas con algunos de sus mejores movimientos de baile. A modo de huevo de pascua de DVD, considero esencial que sepáis que Chipper, concursante de la sexta edición de Operación Triunfo, también asistió al evento.

A todos ellos se unieron casi un centenar de infectados enfundados en trajes nupciales que desfilaron en una Zombiewalk desde Plaza España hasta el centro comercial Gran Vía 2 para conseguir una butaca en la proyección. Algunos de ellos habían pasado antes por el Airbar Poblenou, donde un equipo de profesionales maquillaron y sortearon material de la saga entre los presentes. Hasta tres salas se usaron para alojar a todo el público que se acercó al multicine: una para el equipo de la película, otra para los invitados de la productora, y una tercera para el público que consiguió una entrada en los muchos concursos que se difundieron por la red días previos a la cita. Los hermanos Fernández, Julio y Carlos, productores ejecutivos de la película y cabezas de Filmax, paseaban por el centro comercial minutos antes del preestreno luciendo porte de anfitrión y contemplando satisfechos la respuesta multitudinaria al llamamiento zombi. Ya en la presentación en una sala de proyección abarrotada, el público devoraba palomitas en cartones de bordes ensangrentados especialmente diseñados para la ocasión. Fuera, el equipo posaba en el photocall y minutos más tarde presentaba la película agradeciendo a todos su asistencia. La jornada concluyó con una fiesta temática en el club Shôko de Barcelona.

El próximo 17 de febrero se estrena Infierno Blanco en las salas de cine españolas. Nuestra querida Samdra tuvo la oportunidad de asistir al pase previo para la prensa organizado DeAplaneta en Cinesa Diagonal el pasado 26 de enero, y por lo que se desprende de sus palabras Infierno Blanco es una de las imprescindibles del año…

Ottway (Liam Neeson) tiene un trabajo peculiar, disparar a los lobos que se acercan al campamento de una refinería en Alaska para evitar que ataquen a los trabajadores. Es un hombre destrozado por la falta de su mujer, decepcionado con la vida hasta el punto de estar dispuesto a acabar con ella. Pero justo antes de apretar el gatillo, un aullido lejano le detiene: la vida le tiene preparada una prueba más. Junto a sus compañeros emprende un viaje de vuelta a casa, pero el avión sufre un accidente que deja a media docena de supervivientes perdidos en un paisaje de temperaturas glaciares y alejados de cualquier forma de vida a excepción de un grupo de lobos poco conformes con la idea de ver su territorio invadido.

Para algunos sobrevalorado y para otros, autor clave del cine de terror contemporáneo compartiendo escenario con James Wan, Alexandre Aja o Eli Roth. A falta de visionar dos títulos de su filmografía (Cabin Fever 2 y Trigger Man), puedo confirmar que el cine de Ti West posee carácter diferenciador dentro de un género (en algunos aspectos) saturado y poco arriesgado en su versión más comercial. La nostalgia por el cine de terror atmosférico de clásicos como The Haunting o House on Haunted Hill y su inclinación por un desarrollo sosegado amante de lo sugerido, hacen del director de The House of the Devil un caso tan extraño (que no único) como recomendable.

Siendo los espacios cerrados uno de sus contextos favoritos (el granero en The Roost y la residencia de los señores Ulman en The House of the Devil), no es extraño que en The Innkeepers nos encierre en un hotel que le permite conducir al espectador a su merced por un terreno armado con dinamita que prorroga su explosión hasta el último acto, algo que seguro les suena a aquellos familiarizados con su cine.

Luke y Claire pasan sus últimas horas como únicos empleados en un hotel que está apunto de echar el cierre tras años de actividad. Extasiados por un soporífero aburrimiento deciden indagar en la leyenda de Madeline O’malley, cuyo espíritu aparentemente sigue vagando por las pasillos del hotel.

Los brotes de delincuencia protagonizados por adolescentes británicos han inspirado notables títulos en los últimos años como Eden Lake u otros menos destacables pero igual de interesantes como F o Cherry Tree Lane, todas ellas películas incómodas cuyos personajes son chavales con ganas de tocar los huevos que no llegan a la mayoría de edad y a los que se imprime un sadismo y una crueldad que puede resultar excesiva. Críos que perdieron la moralidad en algún nivel del GTA y no muestran ni un ápice de compasión ante el sufrimiento ajeno. Esa generación desgraciadamente existe más allá del celuloide, y películas como las nombradas anteriormente no hacen sino meter el dedo en la yaga de una sociedad que en su agenda de asuntos pendientes debería empezar a subrayar el de la educación.

Attack the Block toma prestado ese joven perfil que se mueve por los barrios bajos de Londres coqueteando con las drogas y la violencia, pero lo sitúa en un marco excepcional de ciencia-ficción trepidante y lo impregna de ese sentido del humor inglés que tan bien maneja uno de los genios de la comedia británica en la actualidad, Edgar Wright, responsable de dos títulos a los que Attack the Block debe mucho: Shaun of the Dead y Hot Fuzz. No es pues de extrañar que el nombre de Wright aparezca en los créditos de la película, algunas de las escenas más cómicas – como la protagonizada por los personajes de Ron (Nick Frost) y Brewis (Luke Treadaway) en un sofá frente al televisor – no desentonarían en un episodio de la infravaloradísima Spaced.