Tras afirmar que se tomaba un respiro del cine de terror para hacer otras cosas, James Wan hace un ejercicio de intentar volver a sus raíces con Maligno, dirigiendo y coescribiendo (el guión está escrito por Wan y Akela Cooper, quien también está detrás del guión de La Monja 2) esta historia de terror psicológico inspirada en el giallo, las películas Mario Bava o de Brian De Palma, y hasta en el cine de la nueva carne de Cronenberg.

Maligno nos cuenta la historia de Madison Mitchell (una Annabelle Wallis que se entrega a su papel con brío, pero que en mi opinión no consigue que el viaje emocional de Madison nos toque la patata del todo), una mujer que es testigo de terribles visiones dignas de las peores pesadillas. Las cosas no mejoran cuando se da cuenta de que estas visiones no están solo en su cabeza sino que realmente están teniendo lugar en nuestro mundo y que están relacionadas con su tormentoso pasado familiar.
Maligno tiene, como cualquier giallo destilado de la herencia hitchcockiana, un macguffin (o dos), que en este caso es del don de la videncia de Madison, antiheroína conectada con un misterioso ser sediento de sangre.

Reconozco que acudí al pase de “No matarás” con las expectativas bajas. Me puse cerca de la salida por asegurarme un plan de fuga si lo cosa no iba bien. “El pacto”, anterior cinta del director David Victori, no me había gustado y la verdad es que Mario Casas es un actor al que le he visto en trabajos muy buenos, como “La mula”, “Adiós”, o recientemente en “El practicante”, pero que de primeras siempre pongo en cuarentena. Puede que esas pobres esperanzas jugasen a favor al final. “No matarás” me parece un film notable que me encantará ver nuevamente en el festival de Sitges, con la sala todo lo llena que deje la pandemia, porque estoy seguro que va a levantar aplausos en varios momentos y una buena ovación en su portentosa secuencia final, donde por cierto Casas cierra el film con broche de oro.

Casas se pone en la piel de un joven, Dani, que ha pasado los últimos años cuidando de su padre y que, al fallecer éste, no tiene muy claro qué hacer con su vida. Su hermana le insiste en que corra una gran aventura que le sirva de trampolín para recuperar la chispa que la enfermedad paterna le ha robado. Una noche, cenando en un restaurante, conoce a una chica (Milena Smit) que parece estar pasando un mal momento y decide acompañarla a pesar de que su inestable comportamiento augura que no debe ser una persona fácil de tratar.

Reconozco que la primera vez que intenté ver Fish & cat no aguanté más de 35 minutos. Fue en una sesión a medio día en el festival de cine de Sitges de 2014; el peor lugar para ver una propuesta de 135 minutos que precisa de un espectador paciente y que reme a favor de obra para ser engullido por sus múltiples virtudes. Imagino que jugó en contra de la cinta que se la vendiese como el primer slasher iraní, algo que no era en absoluto… ¿o me confundo? Cabe preguntarse por qué esa etiqueta de slasher, o incluso qué es un slasher. Para mi, si lo planteo de forma sencilla, el género slasher es una película en la que un grupo de personas (generalmente adolescentes) muere a manos de un asesino o de varios… claro. Siguiendo esas reglas, esta cinta en la que varios jóvenes acampan en un lago junto a un restaurante regentado por unos caníbales parece inscribir con facilidad en ese subgénero, al menos hasta que la ves.

Como todos los años, un grupo de adolescentes iraníes se reúne alrededor de un lago para celebrar un festival nocturno. Acuden con sus cometas que elevarán a medianoche. Muy cerca de ellos, en un restaurante que durante los créditos iniciales se nos indica que regentan unos caníbales, dos cocineros trasladan al corazón del bosque los restos sangrantes y putrefactos de sus últimos banquetes.

Primero lo primero: rendir pleitesía a Campanella, un director brillante con una excelente carrera plagada de títulos excelentes. Sabe moverse por dramas como “El mismo amor, la misma lluvia” (para mi gusto su mejor cinta) o “El niño que gritó puta”, a la comedia tierna de “El hijo de la novia” o “La luna de Avellaneda”. Su thriller “El secreto de sus ojos” le llevó a ganar el Oscar. En televisión nos ha regalado la serie “Colony”, donde en clave de ciencia ficción nos cuenta una de rebeldía frente a la dictadura, algo que la emparenta con varios temas de las mencionadas “El mismo amor, la misma lluvia” y “El secreto de sus ojos”. En esta ocasión regresa a la comedia con la adaptación a la época actual de un texto de Augusto Giustozzi, cuyo nombre evitaré para no hacer spoilers. El resultado no es cine de terror pero, a buen seguro, que gustará a los amantes del género, pues esconde una comedia negra que se puede emparentar con facilidad a montajes teatrales como “La huella” o “La trampa de la muerte” ambas excelentemente llevadas a la gran pantalla, o a filmes como “Un cadáver a los postres”, “El perfecto anfitrión” o la reciente “Matar a Dios”, títulos todos donde el toma y daca de los diálogos es brillante y donde se adereza toda la situación con algún que otro muerto.

En una noche de tormenta en Denver, Vic Jackson, un especialista en sistemas de seguridad en la tienda Odegard, está teniendo “serios” problemas. No sólo porque está enamorado, sino también porque su jefe ha decidido que esa noche sea la noche en que elimine a su socio. Vic es acusado por el asesinato, aunque mantendrá su inocencia hasta la silla eléctrica. Cuando se encuentra ante ese terrorífico momento, toda su vida pasa ante sus ojos, y comienza a tomar conciencia de todos los hechos que le han llevado a la sentencia de muerte…

Después de dirigir Posesión infernal en 1981, Sam Raimi (Royal Oak, Michigan,1959) tardaría cuatro años en estrenar Crimewave, un film en el que, aparte de él mismo, se verían involucrados los hermanos Coen en el guión. Con esos ingredientes, ¿qué podía fallar? “¡Todo, o casi todo!”, grita el público desde las butacas tras su visionado.

La trayectoria del director Luc Besson ha sido irregular durante la última década. Un director que empezó su carrera pisando fuerte con títulos como León, Nikita y El Gran Azul, a los que le siguieron otros bastante interesantes como Subway o El Quinto Elemento, pero que tuvo luego un bajón pronunciado con producciones cuya calidad estaba muy por debajo de los films mencionados. Dentro de este último grupo podemos recordar títulos como Juana De Arco, Adele y el Misterio de la Momia, o la reciente y fallida Malavita. Ahora, lo nuevo de Luc Besson se titula Lucy, y a continuación veremos que nos trae de bueno o de malo la nueva película de uno de los directores de cine francés, junto a Jean Pierre Jeunet, que logró atraer mi atención en la década de los 90 (y finales de los 80), donde encontramos sus mejores y más interesantes obras.

La trama de Lucy nos lleva, a través de apenas unos 90 minutos de duración estándar, hacia un cine que no resulta en absoluto novedoso: humanos que adquieren capacidades que están por encima de sus posibilidades e incluso de su propia naturaleza (superpoderes), sin duda una premisa muy habitual en el cine de superhéroes. Basta recordar como una persona que provenía de un lejano planeta y que tan solo sucumbía al poder de la kryptonita, se paseaba volando libremente por nuestro mundo. Otro podía dar enormes saltos y lanzar telas de araña tras ser picado por una araña radioactiva; mientras que un abnegado científico se volvía prácticamente invulnerable, rocoso y de color verde debido a una dosis letal de rayos gamma. Ejemplos de personas que adquieren poderes sobrehumanos los hemos visto y probablemente seguiremos viéndolos dentro del género de los superhéroes.