El teniente Bart es un soldado norteamericano cualquiera destinado a Iraq, por supuesto alberga sus dudas sobre el sentido de su misión en tierras árabes, pero ante todo es un patriota convencido. Al menos siempre lo sintió así en vida, quizás tras caer en una emboscada y resultar muerto haya cambiado de opinión.

¿Podríamos preguntárselo a un muerto? Desde luego que no, y aun más difícil si no disponemos de una guija bien configurada. Afortunadamente el cuerpo del teniente es repatriado a casa, para ser enterrado con unos honores y recuerdos que tal vez no se correspondan con lo que fue en vida: un tipo sencillo. Su novia derrama amargas lágrimas por él, Joey – el mejor amigo de Bart – es algo más pragmático y prefiere enrollarse con ella en “memoria” de su “brother”.

¿Qué pensaría nuestro protagonista de esos cuernos post-mortem? Alcancemos su tumba para intentar sondear al cadáver. ¡Demonios! Es una idea de locos hacerle preguntas a un muerto como plañideras, pero… espera, ¿un rumor? Algo se mueve bajo tierra, ¡no puede ser! Sí, sí, un muerto que camina, Bart surge costosamente de la tumba. Podremos hacerle esas dichosas preguntas que nos rondan, a no ser que sea un zombie y prefiera devorarnos el cerebro antes que contestarnos. O tal vez sea un vampiro, parece lo suficientemente lúcido como para descoser el hilo quirúrgico que sella sus labios putrefactos. No, imposible, no hay glamour, solo una peste de mil diablos. ¿Entonces? Podría ser un “revenant”, un espíritu corpóreo que duerme por el día y ha de beber sangre para mantener la corrupción a raya.

Bueno, tal vez no deberíamos preocuparnos por Bart, fijaos bien; se dirige derecho hacia casa de su “mejor” amigo. Esperemos que Joey no reciba un susto capaz de sacarle el corazón del pecho. ¡Seguro que no! Además, con lo grandes colegas que siempre han sido, seguramente resolverán el problema de la resurrección de Bart con tacto e inteligencia. No creo que el gusto de Joey por la coca, las armas y la vida fácil se convierta en un problema. ¿Verdad?

The Revenant vendría a ser un nuevo intento de vuelca de tuerca (y van) dentro de la comedia de muertos vivientes (y van). Así, a pelo y solo rascando la superficie – es decir, trailer, imágenes, póster y sinopsis reducida –, no me extraña que esta producción Californiana haya pasado desapercibido tanto para el aficionado como para los medios especializados. No soñéis con verla estrenada en cine (afortunados aquellos que pudistéis verla en Sitges), no dudéis de que su distribución española o latinoamericana es una utopía y si la descargáis – os deseo suerte buscándola –, además de condenar vuestras almas para toda la eternidad, podréis comprobar que no existe subtítulo al castellano decente.

De nuevo, la forma de condenar al ostracismo otra cinta independiente, muestra lo inteligentes que nos consideran las “todopoderosas” distribuidoras españolas (y ahora hablo estrictamente de mi país porque es aquel cuya “idiocracia” conozco bien), porque para ser sincero: The Revenant no es la reinvención de la rueda, no es la película del año ni es la comedia que va a provocaros flatos en los riñones, pero sin lugar a dudas considero un deber del aficionado de corazón al fantástico – y una obligación de los “amantes” de los zombies – experimentar los aciertos y errores que atesora esta cinta dentro de su compleja estructura y atrevidas intenciones. Unas virtudes y defectos que se van compensando a lo largo de diferentes picos durante el extenso metraje (casi dos horas que a tenor de la verdad creo que no se terminan justificando), para terminar decantando la balanza hacia el lado positivo gracias a un final de esos que odias o amas. Bien, como a un servidor le ha sorprendido (os aseguro que por nada del mundo podéis esperar como finiquita la historia de Joey y Bart) y agradado ese giro melancólico, oscuro, espectacular, tierno, modernista, crítico y hasta surrealista; no puede por menos que sonreír y pensar: “¡Joder! Películas como ésta son las que hacen que merezca la pena buscar y rebuscar por los cajones olvidados del horror”. Insisto: no se trata de una gran película a nivel técnico – posee sus carencias y las muestra por mucho que, en momentos dados, se obstine en intentar maquillarlas – y mantiene unos constantes altibajos que requieren paciencia y voluntad por parte del espectador; no obstante, resistir, merece la pena. Ya conocéis nuestro género, los finales pocos están a la altura de las expectativas, y muchos menos las superan.

Hasta llegar a ese mentado final, transcurre una hora y tres cuartos que se nos ha intentado vender como una “buddy movie” (para el que no lo sepa lo resumiré como comedias de colegas donde la acción es el envoltorio de la relación, habitualmente chocante, de los dos “colegas” protagonistas, a poder ser policías). Nada más lejos de la realidad, el “colegeo” entre Joey y Bart sería solo la punta del iceberg, un componente más de los muchos que componen The Revenant. Vale, aquí los “zombies” (si disponéis del placer de verla veréis que no es tan sencillo asignar dicho adjetivo a la condición de Bart) también poseen una buena dosis de inteligencia, pero al contrario que la flojita comedia Deadheads, también el enfoque sobre todo lo que rodea a la historia es inteligente. ¿Fallos arguméntales? Como los agujeros de mis bolsillos, grandes fosas sépticas donde la coherencia se pierde para entrar en juego la comedia. Humor que unas veces funciona, provocándote carcajadas, y otras en absoluto, causando arcadas. Además, por mucho que la perspectiva sea la del muerte viviente, estamos lejos del estilo humanista de Wasting Away. Los protagonistas de la que hoy nos ocupa tienen más oscuros que claros, es difícil sentir empatía por ellos, siendo Joey un “capullo” en toda regla y Bart un poquito pánfilo para haber sido teniente del sacrosanto ejercito de los Estados Unidos (¡se me cuadren coño!). En definitiva, personajes bastante humanos pero se atisba una sima empática entre la pantalla y nuestro cómodo sofá, lo cuál adultera tanto el terror, como el humor; por mucho que la carrera final hacía el drama (cínico, muy cínico) nos acerque más a los protagonistas.

A esta falta de humanismo también contribuye la desmedida obsesión por las armas y los tacos mostrada a lo largo del metraje, tan de barrio marginal estadounidense y más propia de comedias descerebradas. Una dosis de acción y de escenografía marginal cuyo mayor beneficio en el protagonismo cedido a la ambientación nocturna de la ciudad de Los Ángeles, parte importante del propio argumento y excusa para ofrecer un puñado de panorámicas que no suelen incluirse en los menús del cine independiente. Para terminar de contribuir a esta ambientación suburbana, contamos con uno de mis grandes, y escasos, temas para propiciar el coma etílico lejos del rollo “rockero”: Tengo un trato de La Mala Rodríguez. No está mal el guiño latino, ¿verdad?

Pero de nuevo juega una mala pasada el factor “marketing”: habiendo visto el trailer uno puede llegar a pensar que está ante una ensalada continua de tiros, muertos vivientes y chistes constantes… y de nuevo se equivocaría. Puntualmente, hay varias escenas cargadas de estética, acción y humor que, a la par que han servido para montar el dichoso trailer, regalan nuestros ojos aunque a sabiendas de su ausencia de contenido, puesto que ese “contenido”, ese peso intelectual se ha intentado volcar en otros elementos (¡vaya mejunje amigos!) como el drama personal de Bart con su novia (donde entran en juego unas gotitas de romance que transitan entre lo patético y lo sensual; de nuevo más extremos), la moralidad que la nueva condición de Bart provoca – materializada en voz de un personaje que me ha resultado muy entrañable: Mathilda “la lesbiana esotérica” – y, como no, la relación entre los dos amigos, el autentico meollo de la película.

Desgraciadamente, el intento de dotar a la trama de un fuerte componente emocional se ve diluido por una dirección artística errática y unas actuaciones que en caso concretos rozan los amateur. Afortunadamente, uno de los actores que recibe mayor peso (Chris “Joey” Wylde) resulta no solo eficaz si no lo siguiente. Se nota su larga experiencia como secundario en cintas como Evolution o Space Cowboys. Un aplauso por su trabajo porque en realidad es quien se lleva el gato al agua, quedando el televisivo David Anders (Bart) varios peldaños por debajo. Aunque, siendo honestos, quizás se deba al uso constante de unas incomodas lentillas que apenas transmiten el estado mental por el que transita el interesante personaje del “revenant”. Lo que me lleva a la gran labor realizada en el apartado de efectos especiales. Se nota que su director y guionista, D. Ferry Prior, ha trabajado codo con codo para crear, profusamente junto al siempre interesante Coscarelli, geniales efectos especiales prácticos pero bien resueltos (Jóvenes Ocultos, Abyss, Bubba Ho – Tep). Grandes efectos de maquillaje para la segunda incursión, dentro del largometraje, de un cineasta con ideas atrevidas y claras (por favor, más ocurrencias con vibradores y cabezas cortadas), todavía con mucho que aprender y por decir detrás de una cámara.

Por parte de otros actores no entraré en detalles, si ya de por sí sus personajes están metidos con calzador sin aportar mucho a la trama principal, sus interpretes se notan como perdidos en una ambientación (la del horror/comedia/drama/acción) no al alcance de cualquier actorcillo de Hollywood. No todos lo hacen mal, pero se repite la tónica común: no existe un nivel constante que acomode la historia sobre los hombros de cada uno de sus personajes.

En conclusión, ya veis que The Revenant posee elementos de valor, y grandes pifias, como para estar hablando un buen rato de ella, pero tampoco sería justo. Primero porque ya destripo demasiado las películas que os comento y, segundo, porque la relativa complejidad de las dos horas que dura la cinta (de nuevo os recomiendo paciencia) merece que cada cual haga su análisis personal sin más vueltas. Por supuesto que a muchos les parecerá una perdida de tiempo, su profundo desequilibrio distraerá bastante al público poco exigente consigo mismo; también le cuesta arrancar (los momentos más espectaculares y directos nos esperan en la segunda mitad) pero no es óbice para degustar la recreación de un estado, el de la no-muerte, y su influencia en las relaciones personales de dos personas que, exageraciones a parte, son igual de descerebrados que cualquiera de nosotros. A falta de una mayor profundidad en las ideas morales y un pulido en las reacciones de los personajes, puedo decir que The Revenant es una película única, olvidaos de cualquier influencia por parte del clásico ochentero ¿Estamos muertos o qué? (Dead Heat), la dosis de ideas propias y situaciones chocantes es la suficiente para recomendaros su visionado sin rencillas.

Como cualquier buffet cinéfago, tenemos un poquito para cada paladar, a pesar de no satisfacer los gustos más profundos dentro de una “especialidad” concreta. Y esta frase más propia de Miyagi San os dejo; Bart y Joey me esperan, vamos a echarnos unos tiritos y matar unos cuantos polis corruptos para beberles la sangre. ¡Qué aproveche!

Lo mejor: El final, inesperado en su planteamiento. Profundo y crítico como pocos dentro del subgénero. Mención especial para el departamento de maquillaje.

Lo peor: Demasiados conceptos juntos que acaban tratándose muy superficialmente. Las actuaciones de bastantes actores no acompañan a la buena historia que tenían detrás, quedando su narración a medias.

Mike se sacude la confusión que lo cubre como una mortaja, sobre una camilla y con cables conectados hasta en la epiglotis, puede darse cuenta de que algo no marcha bien. Está muerto, pero perfectamente lúcido, fuera del laboratorio encuentra a otros muertos vivientes como él, pero estos, no tan lúcidos, se dedican a las típicas labores de un redivivo: andar despacio, gruñir, comer carne humana y esparcir la infección. Intentando descubrir que le ha pasado, se encuentra con Brent otro zombie “inteligente” con el cual se embarca en la aventura de su vida.

Cuando descubre un anillo de compromiso en su bolsillo, recuerda a su único y verdadero amor, la perfecta prometida norteamericana: rubia y rica. Ni cortos ni perezosos, los dos zombies deciden recorrer varios estados en busca del amor auténtico, ese que trasciende incluso la muerte y se vende en frascos de channel nº 5 cuando llega la Navidad. Lo que no saben es que los despiadados sicarios de una corporación química, aún más despiadada, buscan a sus dos conejillos de indias. Dos muertos vivientes medio inteligentes llamados… ¡Mike y Brent!

DeadHeads se prometía, desde su propia campaña de marketing y las palabras bienintencionadas de la, muy parcial, prensa especializada norteamericana, como la nueva comedia zombi (“zombedy”, si lo preferis) de moda. Risas, amistad, desmembramientos, romanticismo, acción, vísceras, y personajes carismáticos. Desgraciadamente todo se queda en un mero intento, los diferentes palos que toca no lo son en la intensidad necesaria, unos disparos al azar contra los diferentes géneros de moda, con una interpretación “buenrollista” y apta para una sobremesa en familia, por mucho que los zombies siempre estén presentes, aunque solo con la mera excusa de crear un entorno que vender a los aficionado$.

Desde luego no podemos negarle a los hermanos Pierce, responsables en casi todos los apartados de DeadHeads, un olfato de tiburón en los mares de la publicidad. Para tratarse de su debut dentro del largometraje, estos jóvenes saben venderse bien. A pesar de haberse alargado el rodaje de la cinta en cuestión casi dos años – quizás la razón de ciertas lagunas arguméntales o lo fragmentario de la narrativa –, una vez terminada han sabido montar un trailer interesante, a la par que han ido bombardeando los medios con imágenes promociónales muy trabajadas, pero que, desgraciadamente, dan una idea equivocada de lo que encontraremos en su obra.

Obviamente estamos ante un producto de bajo presupuesto realizado mediante esfuerzo e ilusión, eso no se le puede negar; y creo que dicha fe se ve trasladada a la pantalla generando mucha simpatía en el público curtido, incluso satisfacción en aquellos cuya pretensión sea ver una tontería inofensiva. No obstante, que nadie se lleve a engaños, DeadHeads no aprovecha ni siquiera esa empatía que provoca – meramente por el argumento que trata –, queda como el fallido intento de pulsar las teclas de la sensibilidad friki con cuatro tópicos y “muuuuuuchos” diálogos. Sobre el papel suena muy bonito “una especie de road movie con zombies y humor loco al estilo de Supersalidos”. Y si el metraje se hubiese ceñido a esta premisa, con algo más de empaque, quizás hubiese salido más satisfecho de la experiencia.

Si alguien me preguntase le diría que acabo de tragarme una comedia romántica bastante mala, con muchos diálogos intrascendentes, personajes forzados y un humor que no acaba de cuajar. Sí, y zombies de por medio continuamente, pero roto cualquier encanto o divertimento por lo accesorio de su presencia. Vamos, podríamos quitar los muertos vivientes de la ecuación, con cualquier excusa argumental, y tendríamos un bodrio de cuidado. Eso sí, un bodrio con ritmo, porque si algo salva de la quema a estos “cabezas muertas” es el ritmo – pese a esas rupturas temporales que desencajan un tanto la narrativa – y la, ya citada, simpatía generada gracias a la súplica, que los hermanos Pierce realizan durante hora y media, hacia la complicidad del espectador. Buena muestra de ese deseo de conectar con el aficionado, son los ejercicios de meta cine que se marcan usando a nuestra amada “Posesión Infernal” y otras referencias cinéfilas. Aunque solo humos y espejos…

Pero nada funciona si los actores no son especialmente solventes (ni conocidos), los diálogos son repetitivos, el humor es demasiado bobo – hasta los chistes más gruesos parecen infantiles en manos de unos personajes algo cargantes, encabezados por Brent – o, y aquí radica el “quid” de la cuestión, no hay nada que contar. Sí, sí, sí – repito –, muchos muertos vivientes, bien trabajados a nivel de efectos especiales, pero me da igual, no van a ocultar que ni es graciosa ni es buena, un rollo empalagoso que de una mínima idea original no sabe sacar provecho. Por si fuera poco tenemos el lujo de contar con una omnipresente banda sonora sintético/orquestal peor que meterse veinte rayas de salfuman. Una manera bastante imberbe de cargarse muchas de las pocas escenas validas de la película. Ese humor algo pueril aderezado con una sinfonía de cuerdas realizadas por ordenador y fuera de la mezcla de sonido, supone toda una prueba a la paciencia. Y digo yo, si eres lo suficiente avispado como para vender tan bien tu película, ¡pues hombre! Fabrica una música digna, porque solo se salva la canción de los títulos de crédito iniciales. Por cierto, títulos mezclados con una escena, filtrada con “grindhouse-vision”, que es casi lo mejor de todo el metraje (claro! porque se trata de otro homenaje, esta vez a La Noche de los Muertos Vivientes)… ya sabéis: visionad los cinco primeros minutos, más el trailer, y ya habréis cumplido con los hermanos Pierce. O mejor volved a ver las películas homenajeadas.

Está bien, reconozco que me estoy dejando llevar por la decepción. Uno esperaba más y se ha sentido un poco engañado, llevándose una sensación global peor de la que probablemente merezca la película. Siendo justos, igual que he usado la argumentación de su escaso presupuesto como una carencia, podría decir que para el dinero que se intuye ha podido costar, el resultado es bastante decente. Que una cinta rozando lo amateur en ocasiones tiene que ser mirada de forma benevolente, al fin y al cabo hay bastante homenaje zombie, buenos efectos especiales, momentos incluso emotivos, blah, blah, blah… sin embargo, cuando llegan los últimos diez minutos cualquier justificación progresista se desmorona. Hasta el bueno de José Luis Rodríguez Zapataero echaría pestes de un final tan ñoño, tan meloso, tan alejado de lo que considero que es cine digno (fijaos que no he usado el adjetivo “bueno”). Incluso la almibarada conclusión de Tucker and Dale parece neo-nihilismo ante la memez que debemos afrontar en el tramo final de esta zombedy (snif!). Cierto que se intentan abordar reflexiones facilonas, pero necesarias, como la dicotomía entre “zombi-colegas” y seres humanos malvados, pero ni siquiera esas pinceladas están escritas con peso; de nuevo, solo castillos en el aire y oportunidades perdidas.

En conclusión, una buena premisa y ciertas ideas interesantes enfocadas desde el peor punto de vista: la comedia romántica de colegas. Además, sin garra y sin gracia. Me quedo antes con la más intensa, y mejor interpretada, Wasting Away, película cuyo elemento diferenciador de otras “comedias zombies” está mejor trabado y realzado, incluso con un presupuesto menor. O puestos a ver una comedia gamberra con toques de road movie y cierto romanticismo, os recomiendo Sex Drive, igualmente patética pero mucho más risible, que es de lo que se trata.

Esta DeadHeads aprueba por los pelos ya que conserva ciertos destellos, algún personaje simpático, y una representación del manido “universo zombie” bien trabajada estéticamente. Incluso algún Alma Sensible podría saber disfrutar del corazoncito que todo necrófago alberga dentro de su cavidad torácica descompuesta (¿quién no quiere tener casa propia y colgar los adornos navideños con sus hijos?). Tal vez en un festival especializado, con gente gritando y tres litros de cerveza en el buche… ¡naaa! Ni por esas. Quizás alguno sepáis pillarle el punto; ahora bien, si un servidor tuviese que soportar una segunda parte por el estilo, consideraría sacarme los globos oculares de sus cuencas con un cutter oxidado; eso no lo salva ni “super” Bruce Campbell.

Lo mejor: Resulta simpática en todo momento.

Lo peor: Su enervante banda sonora.

Johanna Ravn sale de casa para su “footing” mañanero, encontrándose en las afueras de Oslo con un hombre embutido en su mono naranja que solo desea saludarle el cráneo con un taladro eléctrico. Una vez saludada y enfundada en su nuevo traje modelo “bolsa para cadáveres”, decide abandonar la morgue que el estado noruego le ha concedido para saludar a su padre.

”Ring, ring”. “Sí, diga”. “Su hija, Johanna está muerta”… “¿Cómo? Pero si acaba de llegar a casa y ahora está chateando en el “feisbuk” ese”. Vaya día lleva el señor Ravn, por si fuera poco duro ser padre viudo, ahora le dicen que su hija está muerta. ¡Con el buen aspecto que luce! Miradla que maja, vomitando petróleo y con el encefalograma plano.

Parece que Oslo se llena de casos similares a los de Johanna. Alguien, o un grupo de dementes, están atacando con taladros a la población y llenando su cabeza de un espeso líquido negro. Las autoridades están tan desbordadas que el señor Ravn decide buscar sus propias respuestas al estado de su hija. La verdad lo llevará hasta algo peor que el fin del mundo.

Experimentos sí, pero con Coca-Cola.

Dark Souls supone un experimento arriesgado: desayunar varios litros de petróleo, por supuesto no refinado, y salir a la calle para reinterpretar la realidad con semejante viaje de crudo en el estómago. El resultado no podría ser otro que acabar en el hospital con la enfermera pechugona de turno regañándote por semejante estupidez. Este sería un buen resumen de la película si nuestras vidas fuese una “sitcom”, pero desgraciadamente el día a día es más banal y simplemente estamos ante una película con un planteamiento diferente, surrealista, original e intrigante, resuelto de la peor manera posible: sin desarrollarlo y a través de un melodrama algo apagado por la ausencia de acción y de explicaciones lógicas. Bueno, no todo es tan surrealista como nos propone su loca sinopsis. El final, donde se resuelve el meollo del asunto y descubrimos que hay detrás del hipnótico petróleo y sus distribuidores de naranja, nos da una pincelada bastante común como respuesta a todas las dudas que nos vamos planteando a la par que el metraje se desliza parsimonioso, justo como una sustancia negra aceitosa, hasta su repentino y desabrido final. Y creedme, las dudas serán constantes y molestas, no siendo recompensada la atención del espectador, que probablemente se sienta estafado con el rumbo que va tomando la película y su fría forma de mostrarlo en pantalla.

¿Pero de que nos extrañamos? No en vano estamos ante una producción noruega con dos expatriados galos, los desconocidos César Duchase y Mathieu Peteul detrás de las cámaras y el guión. De nuevo entramos en el terreno del experimento, porque el estilo cinematográfico del norte de Europa siempre ha estado marcado por unos tiempos más reflexivos, en esta ocasión olvidaos de pequeñas joyas como Dead Snow o la saga Cold Prey, y el cine galo por la búsqueda de un “sello de autor” que diferencia su cine de cualquier otro, chauvinismo cinematográfico, que dirían algunos. Si a todo ello le añadimos un presupuesto escaso, para nada enfocado hacia la representación gráfica de lo “extraño”, lo “morboso”, lo “macabro”, no podemos sorprendernos de que el resultado final sea un batiburrillo con dejes de originalidad que empalidece debido a una falta de dirección aplastante: un plato de cine fusión preparado con cariño pero sin el más mínimo criterio a la hora de mezclar ingredientes tan dispares, y, además, servido sobre un mantel de papel… ¡hombre, a este restaurante yo no vuelvo!

Cine Fusión: Añádale 50 gr. de salsa Fulci

Se publicitaba, tras su premiado – mediante sobornos pagados con barriles de petróleo – paso por distintos festivales especializados, que Dark Souls intentaba recorrer el camino abierto previamente por cineastas del (anti)prestigio de Lucio Fulci. Bueno, algo de explotation italiana se esconde entre líneas; tal vez por la mezcla de subgéneros a la que asistimos (“slasher”,”revenge”,”zombies”), pero sobre todo por la falta de presupuesto y la falta de estilo (otros dirán “vergüenza”) que muestras sus directores a la hora de lanzarnos cabos sueltos a la cara, como si fuesen cacahuetes y nosotros, el público, monos de feria. También refuerza este aroma a peperoni el profuso uso de sintetizadores en la banda sonora, siendo, probablemente, uno de sus mejores apartados. Sin embargo no os llevéis a engaño, la película se balancea sobre la cuerda del tedio y la sombra de un divertimento casposo se esfuma tras un prometedor arranque, dando paso a un lento melodrama que intenta repuntar al final pero sin las herramientas necesarias para despertar al espectador adormiladito en su sofá.
Esos interesantes quince primeros minutos plantean de manera minimalista, sin datos adicionales, un misterio tan atractivo como insólito: unos señores vestidos con un mono naranja entretienen sus ratos libres repartiendo por todo Oslo trepanaciones gratuitas que realizan con un taladro eléctrico; luego los trepanados, en lugar de quedarse tranquilitos en su bolsa para cadáveres, se alzan como peleles viviendo idiotizados y sin otra afición que vomitar oro líquido. “¡Ah! Que la película no es de zombies entonces.”, pensaréis algunos. Pues ya os digo que si es de zombies, aunque los primeros compases de la cinta no apunten exactamente en esa dirección. Como ya os digo, tras el impacto inicial de una hiperrealista fotografía, clara deudora de la citada italoexplotation y por ello bastante onírica, así como de lo raro de la historia inicial, nos encontramos un melodrama cargado sobre los hombros de un padre, el de Johanna que se toma la justicia por su mano y comienza a investigar por su cuenta, así como a cuidar a la chiquilla, las razones para que su hija se encuentre en ese estado semivegetativo incapaz más que de escupir petróleo. Y eso que mucho hablar de las bondades de la sanidad del norte de Europa, y son incapaces de tratar a una mujer que vomita crudo, ¡sí eso se cura con un miserable Gelocatil!

La cuestión es que el lento nudo de la película, está integrado de forma casi exclusiva por este drama – reconozco que con algún momento emotivo y con cierto aire simpático a una película cutre (ejem) de Charles Bronson – y más ataques por parte del ejercito de butaneros, convirtiéndose en un peñazo gracias a la falta de pulso, y de medios, para rodar con gracia ni siquiera una escena. Ya se empieza a revelar el percal, estamos ante una tomadura de pelo que no podrá ni resolver su conclusión. ¿Seguro? Mira que igual metiendo zombies de golpe, todo se torna más interesante… ¿los metemos? ¡Venga, sí! ¡Los metemos!

Así que al final era una película de zombies.

Está claro que César Duchase y Mathieu Peteul querían contar algo. No obstante no me preguntéis porque no me ha quedado claro del todo. Estaba luchando contra el insidioso sopor que me provocaban el drama de Padre Coraje, los asesinatos de “los butanitos” – a cada cual peor rodado – y los repetitivos vómitos de sus victimas, cuando algo sucede en pantalla. ¡Una explicación! Y no una cualquiera, ¡la madre de todas las explicaciones! ¡Ah! ¿Era eso? ¿Y era necesario empaquetar todo el metraje con tanto misterio y añadirle un toque humano merced a los desvelos del papi de Johanna? ¿Y ese señor mayor coleccionando líquido cefalorraquídeo? ¿Y de repente en Oslo…? Vale, vale. Ya vemos que nuestros queridos franceses, siempre tan cachondos, nos han dejado unos detallitos superfluos pensando que son las perlitas de todo trabajo de autor que se precie. ¡Pues sepan ustedes que a mi me parece que no tienen ni idea de explicar sus argumentos!

Todo lo comentado anteriormente, y como ha sido expresado, ralla la broma porque francamente esas son las sensaciones que transmite Dark Souls. No acaba de casar ese estilo de filmación tan norteuropeo, lento y frío, con la bizarra historia que se nos quiere vender, volviéndose hasta paródica. Ciertas decisiones que, obviamente, se tomaban en un principio en pro de dotar de más tensión y humanidad a la narración se convierten en elementos cómicos a causa del poco estilo para tratarlos. Así, el protagonismo del padre de Johanna en vez de convertirse en una fuerza (resulta potente alejarse de los clichés de otras cintas protagonizadas por actores más jóvenes y guapos) se transforma en un gag cuando asistimos a sus desventuras por la fabrica donde se revela todo el percal. A su vez, la traca final donde el elemento zombie por fin se airea, también resulta cómica por lo escueta, lenta y contenidamente que se retrata otro Apocalipsis de los muertos vivientes, y van…

Un proyecto fracasado, que merece la pena ver por lo curioso de su propuesta inicial, la forma de romper algunos clichés del cine de terror y la desvergüenza con que se trata el último tercio de una película independiente que tiene como gran enemigo el presupuesto, resultando sus efectos especiales escasos para lo que se quiere transmitir. El resto de factores, actuaciones principalmente, simplemente son funcionales, no aportando nada de valor a la ecuación. El mensaje ecológico me lo he dejado para el final, porque… ¿existe cierta metáfora pro-ecológica dentro del guión de Dark Souls? Me atrevería a decir que sí, pero tan mal acotada que todo queda en un mero “quiero y no puedo” que solo podrán degustar aquellos que agonicen por ver algo diferente que no mejor. Sí, mucha referencia cinéfila por aquí (The Driller Killer 1979 y por allí (The Stuff 1985), mucho tributo al estilo visual setentero de Brian De Palma pero poquito que rascar una vez desvirgada la insólita propuesta de sus quince primeros minutos…

Lo mejor: Una surrealista idea de base y sus sugerentes quince primeros minutos.

Lo peor: Una narración sin fuerza y un desarrollo inexistente de la idea base.

El cine de terror oriental no vive únicamente de fantasmas de pelo largo. En realidad, esa moda de espíritus melenudos y afectados de espasmos al andar era, y aunque en menor cantidad sigue siendo, una parte del complejo entramado de producciones de género que se estrena por allá. Los zombies, aunque el aficionado poco indagador no lo sepa, forman parte de su cinematografía del mismo modo (en cantidad) que en Estados Unidos. Lo que ocurre es que suelen ser propuestas tan hilarantes y arriesgadas para el público occidental que se quedan en el tintero, salvo visitas a festivales especializados, tardías ediciones cutres en DVD con audio 2.0 y ningún extra, o lo más habitual, sesiones caseras listas para descargar con el siempre meritorio trabajo de los traductores y sus subtítulos. Una de esas producciones bizarras es The Neighbor Zombie. Aunque en este caso, no os perdéis gran cosa.

La cuasi novedad que propone esta película surcoreana es la división en seis partes de su historia. Así, a lo largo de seis episodios, a modo de cortometrajes, acontece el inicio, desarrollo y desenlace de una epidemia que asola la ciudad de Seúl. El causante es un virus que, como es habitual, se contagia de humano en humano por la sangre y les convierte en los ya conocidos “infectados” agresivos y rápidos cada vez más presentes en el subgénero.

El modo de enfocar las historias es original: se combina el humor más absurdo con el drama, luego la acción con tiros e incluso artes marciales, luego otra vez drama y algo de humor absurdo. Pero, que sea original no quiere decir que funcione. Y es que salvando la tercera historia, sin duda la mejor, y partes de la quinta y la sexta, el resto es capaz de hundirnos en lo más profundo de los mundos de Morfeo.

No obstante, os dejo aquí una guía para conocer lo que os podéis encontrar a groso modo en cada uno:

Historia I. Comienzo de la epidemia: Un joven se encuentra en su casa, se corta en una mano y echa un poco de su sangre sobre un muñeco. Al poco, empieza a ser “atacado” por algo que no se ve.

Buen final gore, aunque desconcertante y tedioso el resto.

Historia II. La epidemia crece: Una pareja sigue conviviendo pese que a él le han infectado con el virus. No ha llegado a convertirse del todo (uno de sus ojos no ha cambiado de color), pero su aspecto es cada vez más putrefacto. Ella se resiste a abandonarle y decide infectarse.

Aunque no lo parezca, es la parte más cómico-absurda, a parte de sobreactuada. Terrible y aburrida.

Historia III. Epidemia absoluta: Una mujer se encierra en su casa junto a la que, hace poco, era su madre. Ahora, convertida en “infectada”, la ayuda en sus necesidades alimenticias cortándose dedos.

Lo mejor de la función. Es la historia más seria y también la más efectiva y mejor interpretada. No es nada del otro mundo, pero en comparación, supone un soplo de aire fresco respecto a lo visto anteriormente.

Historia IV. Epidemia absoluta con aparición de la vacuna: Un grupo de fuerzas de seguridad (o algo) lucha contra el acecho de los zombies y, sobre todo, de un lunático que se ha convertido así mismo en “súper zombie”.

Entretenida a ratos. El mejunje final de patadas, tiros y tripas es correcto. Antes de llegar a eso, poco interesante.

Historia V. La epidemia va solucionándose: La vacuna funciona. La gente anteriormente infectada vuelve a hacer su vida normal. Al menos lo intenta, pues, aunque no recuerden mucho de sus matanzas y de haberse comido a otros seres humanos, algunos familiares de las victimas querrán recordárselo.

Empieza bien. Pocas veces una película nos habla de qué sucedería si los zombies, o infectados, volviesen a su rutina diaria. Su adaptación, pesadillas, el rencor hacía ellos aunque no tuviesen culpa. Lo malo es que el desenlace se convierte en una mezcla de alardes pretenciosos, aburrimiento y sobreactuación.

Historia VI. ¿Final de la epidemia?: Un escritor anda presionado por sus jefes en la fecha de entrega.

Si os digo la verdad, a estás alturas estaba tan machacado por la irregularidad y el tedio que no me enteré a penas de lo que ocurría. La historia dura unos cinco minutos y no hay diálogos. Sale el típico zombie para dar el susto y tal. Pensé, por tanto, que la cosa seguía. Pero no, gracias al Dios de los zombies infectados, la película terminó.

Lo mejor: La tercera historia y algún que otro buen efecto gore.

Lo peor: La segunda historia, sobreactuaciones variadas, algún mal efecto gore y el tedio de una importante porción del conjunto.

Quiero dar las gracias a Eddie Lamorgue (de LaMorgueCinema) por la traducción y montaje de esta cinta injustamente sobrepasada. Sin gente dedicada no podríamos ver obras minoritarias, como la que hoy nos ocupa, pero imprescindibles para iluminar al género de terror desde ángulos diferentes. ¡Seguid en la brecha!

Toxic Lullaby, escrita y dirigida por Ralf Kemper,es una producción alemana para televisión, que parte de una premisa sugerente: una bella joven, Eloise, tras un viaje psicotrópico a lomos del LSD, despierta sin saber muy bien donde está. Pues querida Eloise, el mundo ha sucumbido a una toxina que vuelve furiosa y sádica a la gente y la civilización se ha derrumbado. Unida a un misterioso grupo de supervivientes va desgranando sus confusos recuerdos mientras luchan contra un mundo hostil y salvaje como nunca hubiera podido alucinar. Una premisa interesante, ¿verdad? Desafortunadamente, la ejecución de la idea no es tan buena como podría.

Supongo que todos pensamos lo mismo: el foco de una cinta zombie son los caracteres, no el único, pero sí el principal. Por Toxic Lullaby desfilan una gran cantidad de personajes. Tristemente, la mayoría funcionan al nivel de recortables de cartón, básicamente nombres y rostros, a lo sumo una serie de frases exageradas. Todos tiene orejeras de burro y no pueden salir del breve rol de supervivientes amargados que el guionista les ha asignado. De hecho algunos soliloquios claramente tristes y nihilistas, se notan algo forzados; precisamente el efecto “calzador” es más doloroso por la pobre personalidad de los habitantes de este futuro hostil. Extremadamente acusado en el caso de Eloise, que, durante la primera mitad, se paseará ante la cámara sin objetivo aparente, sin recuerdos claros. Solo un pelele, que apenas habla, llevado de aquí allá por las circunstancias (vagar es comprensible en un mundo desangelado, pero ligeramente aburrido si lo hace la protagonista principal de la película). Mientras que en la otra mitad, cuando los recuerdos vuelven fragmentados a su memoria, se muestra más activa y guerrillera que nunca, aunque igualmente perdida. Difícil involucrarse con ella.

Digamos que la trama de Toxic Lullaby resulta fresca en los primeros compases – una muy particular mezcla entre Miedo y asco en Las Vegas y The Crazies -, incluso intenta mantener la frescura y la imaginación más allá de su genial comienzo, pero finalmente la propia idiosincrasia del subgénero zombie consigue hundir la sensación de discurso novedoso puesto que no sabe ponerlo en boca de sus protagonistas, y volvemos a paisajes comunes plasmados en pantalla correcta pero no brillantemente.

Lástima del convencional desarrollo que empaña mucho la impresión final del espectador, mellada aún más por la ausencia de explicaciones hasta bien pasado el ecuador del film – supongo que para hacernos sentir tan desorientados como a Eloise, aunque puestos a arriesgarse, ¿por qué darnos unas explicaciones que no necesitamos y cuando ya no hacen falta? -. Una pena el abandono, por parte de Kemper, del fuerte contraste entre los recuerdos lisérgicos de Eloise y la grisácea realidad contaminada del presente. La exhibición de un mal despertar de domingo está estupendamente tratada los diez primeros minutos del metraje; en mi opinión, esto por si solo ya justifica el visionado de Toxic Lullaby. Por desgracia, esta narrativa onírica y fragmentaria, excusada por las drogas, se abandona una vez metidos en faena zombie.

Aquí bien merece la pena hacer un inciso sobre la procedencia del peligro para la humanidad, y su aspecto: no se trata de muertos que resucitan, si no de infectados al uso cuyo ciclo de actividad necesita de grandes dosis de oscuridad – por eso se les llama “sleepers” -. Los amantes al gore tendrán una buena ración de desmembramientos y ataques que, si bien fallan en su ejecución física dada la inutilidad de los intérpretes, son lo suficientemente brutales para mantener el interés durante los tediosos interludios que toda película de “muertos vivientes” contiene en mayor o menor medida. Sin embargo, más interesante que los “sleepers” resulta la decadencia a la que la humanidad ha llegado debido a SPOILER años sumida en la barbarie toxicamente impuesta FIN SPOILER. No obstante aviso de que esta rama de la catástrofe está desarrollada por los pelos, supongo que debido a los escasos medios, así como a la excesiva suma de elementos diferentes entre sí: la joven drogada y su pasado, sus amigos perdidos, las comunidades de supervivientes, la “isla verde”, los discursos religiosos totalmente antirreligiosos, el poder de los lideres, el abuso físico, la supervivencia, el terror… – toca demasiados palos como para definirlos todos bien.

Como comentaba, se le asigna más importancia a los ataques de los “sleepers” que a continuar desvelando el pasado misterioso y esperanzador de nuestra “empanada” protagonista (¡vaya pedo se tuvo que agarrar para estar varios días grogui!). Privándonos así de la bonita contraposición de color y esperanza – el pedal de Eloise -, frente a gris y deshumanización – resaca de Eloise -. Así que pronto nos parece que el arranque de la cinta ha sido solo una tomadura de pelo, que no se llegará a desarrollar del todo, o, peor aun, la justificación de uno de los finales más odiados: “todo era una alucinación/sueño”. Afortunadamente, todas las elucubraciones, más bien locas, que nos vayamos forjando, van a fallar estrepitosamente. Lo que hace más llevadero su tramo final, casi únicamente centrado en “el presente”. Y cada cual sabrá si le convence la forma de justificar la película y sus riesgos; puesto que no debemos entender “logrado” por “inesperado”. A mi me agradó la forma pero no el contenido, puesto que hacía mucho minutos que el destino de Eloise y de sus compañeros me resultaba una historia sin interés.

A nivel técnico no se le puede exigir más. La fotografía, el sonido y la escenografía han sido los mayores beneficiados de la obvia búsqueda, encabezada por Kemper, de una ambientación fría e intensa, una atmósfera agobiante – conseguida a medias – y cuyo trasfondo no puede ser más pesimista. Sin embargo, en el resto de aspectos no destaca demasiado Toxic Lullaby, siendo sangrante la citada falta de dirección artística.

En definitiva, una película muy, muy, muy alemana. Imprescindible para completistas del género zombie/post apocalíptico en particular, y terror en general, o para los que no tengan miedo de la abstracción dentro del cine; porque encontraréis un intento, a medias, de aproximación diferente a los sobreexplotados subgéneros. Un riesgo cinematográfico que, unido a su excelente manufactura para tratarse de un “telefilm”, hay que valorar también por su atrevimiento. Claro que es mejor acercarse a Toxic Lullaby un día de esos “nublados”, una noche tristona y melancólica en que las vibraciones del alma estén sintonizadas con lo peor y más pesimista de la humanidad.

Su tremenda seriedad y deprimentes conclusiones hubiesen puesto al extremo de la soga al bueno de Ian Curtis, irónica perspectiva mediante, si no se hubiese adelantado Stroszek de Werner Herzog… a veces es necesario enfrentarse al abismo.

Lo mejor: Los psicodélicos primeros compases y multitud de pequeños detalles de calidad

Lo peor: Esos pequeños detalles no cuajan a nivel global, debido a la abundancia de personajes sin desarrollar