Estos de Hollywood siempre están igual. Pueden tirarse décadas sin hablar de algo, pero luego les da la vena y te lanzan en cuestión de meses, a veces incluso días, dos películas sobre el mismo personaje o la misma temática abandonada. Recuerdo cuando les dio de nuevo por el cine de catástrofes y se sacaron de la manga Un pueblo llamado Dante´s Peak (1997) y Volcano (1997), en cuanto a erupciones volcánicas, y poco después Deep Impact (1998) y Armageddon (1998), sobre gigantescos meteoritos cuya misión es acabar con nuestro planeta. Con los personajes reales, los llamados biopics, ocurre lo mismo. Cada cierto tiempo a alguien se le ocurre narrar la vida de algún artista, y de la noche a la mañana se da luz verde a dos o más proyectos similares. En el caso que nos ocupa, el del gran Alfred Hitchcock, al menos ambas películas han ido a parar a medios diferentes. Así, mientras en la gran pantalla tendremos la más popular con el rosto de Anthony Hopkins, en televisión, con producción de la siempre magistral HBO, tendremos una más controvertida, o eso dicen, con el rostro de Toby Jones.

The Devil Inside se estrenó en los Estados Unidos recaudando unos sorprendentes 33 millones de dólares en el primer fin de semana. Sin embargo, los posteriores descensos fueron tan agudos que el total se plantó en unos, aún así excelentes, 54 millones. Hablamos de una producción de 1 mísero millón de dólares, lo que viene a ser la mitad de la media presupuestaria de, por ejemplo, nuestro cine español. En todo el mundo su total asciende a 101 millones ¿Un exitazo, verdad? Si nos ceñimos a lo económico, no cabe duda. Pero, ¿qué se ha dicho sobre ella? Aquí la suerte da un giro radical. Y es que, no pocos la han escupido, odiado e insultado. Muchos aseguraron que se trataba de la peor película de los últimos años, y muchos otros se sintieron estafados. En IMDB tiene una media de 3,9 mientras que en Filmaffinity no llega a 3,5. En Rottentomatoes únicamente se encontraron un 7% de valoraciones positivas de los críticos, mientras que en Metacritic un 18% dijeron algo bueno. Por todo esto, el aquí firmante comenzó el visionado con las peores expectativas, dispuesto a verla y, justo después, ponerla verde en la reseña que tenéis ante vuestros ojos. La cosa es que…

¿Realmente es tan mala?

Sinceramente, no. Lo que le ha ocurrido a The Devil Inside es el efecto “bola de nieve”. A veces ocurre para bien, y otras veces para mal. Aquí se da el segundo caso. Os pondré un ejemplo: cuando se estrenó El bosque (2004), muchos, entre la crítica y también entre algunos sectores del público, le tenían ganas a su director, M. Night Shyamalan. Estaban esperando que con la siguiente película la cagase y saliera derrotado de una vez por todas. El ser humano es así. Pues bien, la crítica, efectivamente, se cebó con ella. Incomprensiblemente (pues es una producción con factura impecable, buenas interpretaciones, dirección llena de detalles de calidad, banda sonora que pone los pelos como escarpias y guión, no sobresaliente, pero sí interesante) muchos afirmaron sin rubor que se trataba de la peor película del año. El público siguió la bola de nieve. Las opiniones negativas, cercanas al odio, crecían a ritmo vertiginoso. Parecía que la gente iba a verla para criticar, y si no seguías el rollo eras raro o no entendías. ¿No había ese año doscientas películas objetivamente peores que El bosque a las que nadie odiaba? Desde luego, pero eso es lo que pasó.

Pese a que la segunda temporada terminó con los mejores datos de audiencia, era obvio que la calidad e intensidad de la primera temporada habían bajado varios escalones. Incluso se temía por un devenir blandengue y lacrimógeno en el sentido más casposo. Pero, sorpresas que te da la vida, la tercera temporada ha arrancado de forma extraordinaria. De hecho, bajo mi punto de vista, es en su conjunto lo más redondo y potente que ha ofrecido la serie hasta el momento. Parece que sus responsables no se han cobijado en los buenos datos de audiencia para basarse en el conformismo y la reiteración como fórmula de éxito, sino que han cargado, siempre dentro de lo posible, con toda la intensidad dramática y sanguinolenta de la obra maestra de Robert Kirkman. No obstante, no debemos olvidar que hay notables diferencias en cuanto a trama y personajes, cosa que Kirkman declaró como idea suya con la excusa de“ofrecer una historia con capacidad de sorprender incluso a los que ya leyeron el material original”. En cierto modo tiene razón; los cambios no funcionaron en la segunda, restando intensidad y altibajos en el ritmo, pero en la tercera todo está encajando como un condón. Vayamos por partes.

LOS PERSONAJES

Uno de los puntos fuertes de la nueva temporada era comprobar si Michonne y el Gobernador pasaban el examen. Se trata de dos personajes clave en el cómic y parece que también en la adaptación. La actriz elegida para interpretar a Michonne, Danai Gurira, da el perfil físico sin problemas, pero había dudas sobre su capacidad interpretativa. En cambio, pocas dudas hay sobre que David Morriesey sea un buen actor, pero unos cuantos se echaron las manos a la cabeza cuando se anunció que él sería el temible Gobernador. ¿No habría quedado mejor gente como Danny Trejo o Tam Savini? Finalmente, la cosa ha quedado así: Danai Gurira como era de esperar, cumple físicamente con Michonne, aunque está por ver en próximos episodios si sabe captar su carisma, y Morriesey, sin necesidad de parecido físico, ha conseguido hacer suyo un personaje difícil para el que, supongo, están guardando lo mejor para el final. No es el mismo Gobernador que en el cómic, al menos no al cien por cien, pero como villano de la serie lo clava, creando tensión mediante miradas y conversaciones sosegadas, siempre quedando nosotros, los espectadores, expectantes de un brusco cambio de humor que rompa con la fingida paz del lugar.

Hace dos años se estrenó Tron: Legacy ¿La recordáis? En lo que a mí respecta, si no fuese por la brutal banda sonora de Daft Punk ya estaría en los lugares más recónditos de mi memoria. No obstante, había otra cosa que destacar en aquella fallida secuela: la puesta en escena de su director, el novato Joseph Kosinski. Nadie sabe muy bien a quién se le ocurrió darle 200 millones de dólares a un desconocido para que filmase tan osado proyecto, pero Kosinski dio suficientes muestras de inventiva visual; el problema fue el insípido guión. Tal vez porque demostró ser hábil tras las cámaras, Disney ha vuelto a confiar en él para una nueva mega-producción inscrita en la ciencia ficción: Oblivion.

En un futuro planeta Tierra que ha evolucionado hasta ser irreconocible, un hombre se enfrenta al pasado y toma el camino de la redención mientras lucha para salvar a la raza humana. Jack Harper (Tom Cruise) es uno de los últimos mecánicos de aviones no tripulados destinados a la Tierra. Forma parte de una enorme operación dirigida a extraer recursos vitales después de décadas en guerra con la aterradora amenaza que representan los Scavs. Pero la misión de Jack toca a su fin. Recorre y patrulla el cielo a miles de metros de altura hasta que su “elevada” existencia se derrumba cuando rescata a una preciosa desconocida de una nave derribada. Su llegada pone en marcha una serie de acontecimientos que obligarán a Jack a cuestionarse todo lo que sabe y que acabarán poniendo el destino de la raza humana en sus manos.

Es curioso cómo algunas películas resisten el paso del tiempo. Más que curioso, extraño es el adjetivo adecuado para describir lo que uno siente al ver Freaks en la actualidad. Te preguntas cómo carajo se las ingeniaron para que, 80 años después, su historia, la puesta en escena o el impacto de sus interpretaciones resulten más eficaces y creíbles que mucho del cine que se hace en estos momentos. Hoy, estrenar una película como Freaks sería imposible. Si, es cierto que las pantallas están hasta arriba de tripas, desmembramientos, chorros de sangre, asesinos de todo pelaje, violaciones, degüellos, monstruos, caníbales y así podría seguir un buen rato. Sin embargo, sabes que es ficción, o al menos lo es dentro de su contexto cinematográfico, que es el que nos interesa a la hora del visionado. Aquí no existe dicho contexto. Hay un guión, pero los personajes son realmente lo que interpretan: los monstruos dejan de ser seres de otras galaxias para convertirse en seres humanos que son vistos y tratados como abominaciones. ¿Simple morbo?

En un circo lleno de seres deformes, tullidos y personas con diversas amputaciones, Hans, uno de los enanos, hereda una fortuna. A partir de ese momento, Cleopatra, una bella contorsionista, intentará seducirlo para hacerse con su dinero. Para lograr su objetivo, traza un plan contando con la complicidad de Hércules, el forzudo del circo.

Una noche al año el gobierno hace una especie de vista gorda ante los crímenes. Es decir, todos y cada uno de los ciudadanos puede hacer lo que le venga en gana: robar, matar, violar o lo que se les ocurra. La policía, los bomberos y los hospitales se toman el día libre. Todo esto empezó porque las cárceles estaban abarrotadas, y no cabía un preso más. Ahora, si son capaces de aguantar sus instintos hasta la noche de libertinaje macabro, nunca pisarán una. Claro que, aunque puedan hacer lo que quieran, el resto de ciudadanos también puede defenderse. Ahí es donde entra James Sadin, un padre de familia que pondrá a prueba sus instintos más bajos cuando un individuo se cuela en su casa y amenaza a su mujer e hijos.

De esto trata The Purge, la nueva apuesta de Ethan Hawke tras protagonizar la reciente Sinister. Y es que al parecer el actor le ha pillado el gusto a esto del cine de género con presupuestos bajo mínimos. Hawke interpreta a James Sadin, mientras que su mujer correrá a cargo de Lena Headey, que siempre será bien recibida. El director es James DeMonaco, que ha sido guionista de la muy reivindicable Negociador (1998) o productor de Asalto al Distrito 13 (2005), remake del clásico de John Carpenter. Sin embargo, como director lo único que se le conoce es una tal Staten Island (2009), de la que desconocía su existencia hasta el momento de elaborar la noticia.